Nº 10

Se pueden tener más ansias por tener un Nº 10, no hablo de la nota de un examen sino de "los muertos vivientes". realmente inquietante mierda para Lost esto si que es estar enganchado.

Adelante, Bonaparte

Hace un par de semanas Yo la tengo, ayer Standstill, se puede decir que estoy en raya. Pues si ayer tuve el placer de poder asistir a un concierto de Standstill, esos chicos catalanes que se atrevieron a pasar el Hardcore al progresivo con total descaro, pero bueno no voy a volver hablar de ellos porque ya lo hice hace algún tiempo aquí en la trobosfera cuando vi su documental.

Ayer venían a presentarnos su nuevo disco Adelante, Bonaparte, sigue el estilo del Vivalaguerra pero más tranquilo, no tan rebelde, aunque el sonido no era bueno (cosa que no era culpa de ellos sino de la sala) por lo general las canciones nuevas me gustaron sin embargo lo mejor fue darme el placer de poder escuchar temas del vivalaguerra, demostrando el buen directo que tienen y la compleja elaboración de sus composiciones.

Peco de escaso el concierto, podría haber sido más largo sin embargo no se puede pedir más después de una escucha tan gozosa.

Videoclib Adelante, bonaparte (I)

Yo La Tengo

Ayer fui a un concierto de Yo La Tengo, estaban presentando su último disco Popular Songs y pude observar una cosa, el trio de Jersey habrán envejecido pero su música sigue siendo igual de anárquica, fresca y directa que siempre. Dos gratificares horas de música a lo que solo falto poder escuchar algunos más de sus viejos temas.

Yo la tengo es un modesto e introvertido grupo de música ajenos a etiquetas, Georgía Hubley, Ira Kaplan y James Mcnew han protagonizado una de las progresiones artísticamente ascendentes más admirables del rock alternativo. En la pagina web del auditorio donde tocaron pude averiguar el porque de su nombre, os cito el texto completo: " Este peculiar nombre para una banda neoyorquina surge de una anécdota beisbolera de Ira y sus amados Mets de NY: Cuando una bola surcaba los cielos resguardados por el pelotero venezolano Elio Chacón y su colega norteamericano Richie Ashburn, la colisión entre ambos era inminente, ya que uno gritaba ¡ Yo la tengo! mientras el otro exclamaba a todo pulmón I'v hot it!. Hasta que Ashburn aprendió a decir en un precario español "yo la tengo", los Mets vieron solución a sus problemas culturales y la mejor banda de noise pop que Hoboken ha visto nacer, fue bautizada."

El concierto comenzó como una declaración de principios , el ambivalente estilo del grupo, entre la electricidad desbocada y la sensibilidad melódica quedo demostrada desde la primera canción con esa improvisación distorsionada de casi 3 minutos de final de la canción que parece que le decía al publico sabíais a lo que veníais, sufrid o disfrutad. Es eso precisamente lo que ha hecho peculiar y diferente al grupo, esa facilidad para hacer música con sonidos diferentes, poesía con el ruido.

La banda supo crear una sobresaliente atmósfera, mitad caótico ruido de fondo, mitad dulzura susurrada al oído siempre dominada con serena exactitud poética y las esporádicas y disonantes salidas de tono que el público supimos agradecer aplaudiendo en pie en algunos tramos del concierto llegando al punto álgido con esa electrizante y ruidosa improvisación de unos 10 minutos en la cual podíamos observar a Ira expresar sentimientos con la guitarra de una manera sublime, era capaz de transmitir con las cinco cuerdas de la guitarra todo lo que pasaba por su cabeza mientras parecía fundirse bailando un Vals con su propia guitarra.


Las nuevas canciones muy buenas aunque también es de agradecer que tocaran canciones como decora y otras autenticas bellezas acústicas. Yo la tengo propietarios de una encomiable obra grabada y un arraigado sentido de la independencia y originalidad musical, han sido fundamentales, a su manera y de modo subliminal en el rock alternativo. Posiblemente seguirán ofreciendo grandes conciertos y produciendo discos apasionantes como lo que nos presentaron ayer y además una cosa esta clara su pura y dura sensibilidad es única.

Videoclip de Here to fall

Harper Simon

Harper Simon sacó un disco en el año 2009, no se si el primero o ya tiene alguno más, lo que si está claro es que no puede decir que no es hijo de Paul Simon principalmente por la forma de componer y cantar.

Video de Harper Simon (hijo)

Video de Paul Simon (Padre)

Baran

Baran es una película iraní dirigida por Mayid Mayidi cargada de sentimientos expresados con acciones, miradas, con la cotidianidad de un grupo de personas acostumbradas al sufrimiento diario únicamente apaciguado por una simple y cálida taza de té.

La película cuenta la historia de un grupo de refugiados afganos a través de la inocente mirada de Lateef, un iraní adolescente, una mirada y una visión de la vida que va madurando a lo largo de la película, sobre todo gracias la aparición de un misterioso personaje afgano que le hará cambiar sus sentimientos hacia los refugiados. A través del día a día de un grupo de trabajadores Majid Majidi compagina admirablemente la denuncia social y el sentimentalismo particular. Como siempre la belleza y el amor lo cambia todo, el protagonista de la película comienza demostrando un sentimiento de odio hacia los afganos y un egoísmo muy particular hasta que de forma casi mágica conoce a Baran, que no solo le hará cambiar su percepción de los afganos sino que del amor, del trabajo, en conclusión de la vida en general.

La película es casi en toda su totalidad un plano subjetivo de la mirada del joven Lateef, vamos observando la realidad a través de dichos ojos donde los sentimientos interactúan en cada plano. El director nos muestra en cada composición un diferente estado de animo. Pasamos de ver el duro día de trabajo de unos trabajadores afganos a estar dentro de los ojos de un melancólico enamorado, donde solo hay miradas para Baran, donde el trabajo ya no es prioridad y lo único que importa es ayudar a la familia de la jovén.

Entre otras cosas la película nos demuestra la fuerza del cine para contar historias, literatura en imágenes, el director lejos de un perfeccionismo audiovisual y una elaborada composición de planos le da prioridad al contenido, pretende y consigue transmitirnos una idea, un sentimiento que paraliza y estremece.

Estamos ante una película diferente, pero diferente incluso para el cine iraní en si, en la cual lo importante es la historia de lucha y superación, de sentimientos encontrados donde la frase "la mirada es el espejo del alma"encuentra su mayor poder expresivo. Pero la principal conclusión que saco tras ver la película es lo mal que funcional los medios de difusión de nuestro país que le dan prioridad a un cine más banal en detrimento de autenticas obras de arte.

Trailer

Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra

Emir Kusturica es por mi de sobra conocido desde hace ya años, sin embargo, acabo de conocer The No Smoking Orchestra, una banda de Techno-Rock gitano formada en los años 80 en la que el director de películas como Underground o Gato negro gato blanco toca el bajo. A continuación os dejo un vídeo de la canción Pitbull.

Videoclib de Pitbull

REC vs Quarantine

¿Remake o copia? ¿Dónde queda la originalidad?
juzguen vosotros mimos, las fotogramas hablan por si solos.

¿Parecido razonable?(Fuente: Jonkis.com)

REC Trailer

Quarantine trailer

Tetsuo

Dirigida por Shinya Tsukamoto en 1989 es considerada una película de culto de ciencia ficción llevada a unos límites extremos pareciendo más un esperpento cyberpunk que una película en si. Este es un ejemplo de como una película puede ser original e inaguantable a la vez. Logró un estilo único recurriendo a un blanco y negro expresionista, a la utilización de la técnica stop-motion con seres humanos, a unos efectos de maquillaje logradísimos, a una banda sonora genial y evitando los diálogos a lo largo de casi toda la película. Tsukamoto creó este film con un presupuesto mínimo. Demostró lo importante que es tener imaginación y compromiso. Ver esta película es una experiencia única e irrepetible, sin embargo la exagerada crudeza y rareza de sus imágenes a medio camino entre el videoclib y una "performance" hace que la película se haga insoportable, un engendro experimental que parece nacido de un enfermizo cruce entre Cronenberg y Linch con violencia a raudales, argumento mínimo.

En conclusión un tortura muy original.

Los muertos vivientes

¿Cuántas horas al cabo del día pasas viendo la televisión? ¿Cuándo fue la última vez que cualquiera de nosotros de verdad hizo algo para conseguir lo que quería? ¿Cuánto tiempo ha pasado desde que cualquiera de nosotros necesitó algo de lo que quería?

El mundo que conocíamos ya no existe. El mundo del comercio y las necesidades superfluas ha sido remplazado por un mundo de supervivientes y responsabilidad. Una epidemia de proporciones apocalípticas ha barrido la tierra haciendo que los muertos se levanten y se alimenten de los vivos. En cuestión de meses la sociedad se ha desmoronado. Sin gobierno, sin supermercados, sin correo, sin televisión por cable. En un mundo gobernado por los muertos por fin nos vemos obligados a empezar a vivir.

Esta es la sinopsis del autor de uno de los mejores cómic que he leído actualmente. Una obra realmente cinematográfica, apasionante, pegadiza y fiel al genero. Hereda las convenciones clásicas del cine de Zombies y crea una obra impresionante que engancha de principio a fin pero sobre todo que hace que te sumerjas en ese mundo de supervivencia. Como el propio autor comenta en la introducción "para mí, las mejores películas de zombies no son los festivales de gore y violencia con personajes corras y chistes cutres. Las buenas películas de zombies nos demuestran lo fastidiados que estamos, nos hacen reflexionar sobre nuestra posición en la sociedad... y sobre la posición de nuestra sociedad en el mundo", estoy totalmente de acuerdo y eso es algo que Robert Kirkman consigue con este cómic. En muchas ocasiones acabas temiendo más al humano que tienes a tu lado que al zombie que te acecha por la espalda, la obra más que ser una fiesta mata zombies, es una reflexión sobre la sociedad actual, las relaciones humanas, la supervivencia donde la locura ocasionada por unas condiciones extremas es más peligrosa que la situación en sí.


El guionista es Robert Kirkman y el dibujante de trazo impecable, capaz de mostrar sentimientos y emociones con igual destreza que escenas de cruenta acción es Tony Moore.

Al terminar el volumen 5 ha pasado casi un año desde las primeras páginas del primer número, y la transformación de algunos personajes ha sido paulatina pero inexorable. Miro como era el protagonista del primer volumen y miro el del quinto y me parece increíble que sean la misma persona, pero la transición ha sido tan elaborada que no me choca para nada el cambio.

Quizá se pueda pedir más, pero después de una lectura tan gozosa no siente uno muchas ganas de ponerse exigente.

FUDOH

Ninguna otra persona se compara al ser humano, ni siquiera los lobos cazan a los de su propia especie. Pero el hombre es capaz de devorarse vivos los unos a los otros.

Trailer

Fudoh, the new generation es una viaje hacia la mafia y la decadencia llena de jóvenes asesinos y personajes cabreados. Miike se mantiene fiel con su visita mensual a la trobosfera. Yakuzas de limpieza y personajes sorprendentes en la ciudad de Tokio y nosotros pasándolo pipa con el cine mas bruto e inmediato que se puede ver hoy en dia.

El pájaro es la clave

Después de tres años escribiendo en la trobosfera me inquieta la ausencia de cierto articulo ornitológico, un titular manifestando la preocupación generalizada por cierta variedad aviaria, no os habéis enterado, tenía entendido que todo el mundo estaba enterado.



Este sin lugar a dudas uno de los mejores capitulos de Padre de familia, desde que lo vi no paro de reirme cada vez que se evoca a mi alrededor la palabra pájaro, un capitulo que resume la esencia de la serie.

The wild one!

Salvaje es un clásico del cine, Marlon Brando interpreta el papel de Johnny, líder de una banda de moteros que han invadido una pequeña ciudad creando el caos allá por donde pasan. Salvaje es uno de los mejores trabajos personales de Marlon Brando, el personaje de Johnny es un inconformista, introvertido y solitario motorista que a lo largo de los 80 minutos de película no deja muy claro cuales son sus pretensiones, sus inquietudes, va divagando de fotograma en fotograma buscando una salida que ni el mismo sabe cual és. En la película conoce como no a Kathie, una buena chica que le hará ver las cosas un poco mejor y de otra forma. Cuando realmente esta dispuesto a cambiar choca con la incomprensión de la gente, que no es más que una causa de sus propios actos.

Todavía hoy esta historia de una panda de motoristas que aterroriza a un pequeño pueblo es imitada y evocada continuamente sin embargo, no es más que una variante de solo ante el peligro, del mismo director, Laszlo Benedek.

Trailer

BARBA AZUL

Con el paso de los años, algunos cineastas del otro lado acaban por recibir el reconocimiento merecido, e incluso por convertirse en verdaderos clásicos. Es el caso de Edgar G. Ulmer, prófugo de la Europa expresionista, que se vio condenado en Holliwood al callejón de la Serie B, pero que supo sacar adelante, con escasos medios y menos dinero aún, verdaderas joyas cinematográficas, capaces de convertir las carencias en ventajas y los defectos en virtudes.

Barba Azul es, quizá, uno de los ejemplos más singulares y gozosos del buen hacer de Ulmer, adaptación de una obra de Charles Perrault, con un John Carradine encarnando a un psychothriller con aires goticos y freudiano, el que sería papel favorito de toda su carrera.

Serie B con el reconocimiento que se merece.

Jesus Christ Vampire Hunter

Acorde a estas fechas tenía ganas de escribir algo relacionado con la navidad, pero ya hace dos años escribí una entrada sobre películas de terror ambientadas en la navidad o con papa noel y no se me ocurría nada hasta que aburrido en el sofá navegando un poco ese banco de cultura llamado abandomoviez he encontrado una película que vi hace ya algunos años pero que me parece apropiada para la ocasión, bueno en verdad tampoco mucho pero sale Jesucristo que para mi es suficiente. Nos encontramos con un Jesucristo salvador de la raza humana, pero muy diferente al clásico, en esta ocasión tiene que, como el nombre de la película indica, matar vampiros.

A la película no le falta nada, humor, violencia, acción pero lo mejor sin lugar a dudas son sus variopintos personajes, un cura punky, una Maria Magdalena post-moderna, vampiresas lesbianas y ... atención redoble de tambor, EL SANTO!! si señor, Jesucristo para luchar contra una legión de vampiros necesita la ayuda del más importante luchador mexicano.

Nos encontramos ante una película Canadiense del 2001 dirigida por Lee Demarbre y protagonizada por Phil Caracas, recomendable para echar un buen rato con unos amigos pero si la vas a ver solo eres un poco enfermo, como fue mi caso.

El sueño eterno

El sueño eterno es una película de 1946 de cine negro dirigida por Howard Hawks y protagonizada por Humphrey bogart como el cínico y duro detective privado Philip Marlowe y su en aquel entonces mujer en la vida real Lauren Bacall. Ayer vi esta película casi de casualidad, me resulto realmente complicado seguir el argumento y todavía soy incapaz de saber quien era el asesino del chofer Owen Taylor. Pero por lo que parece esto es algo común ya que la película es conocida por tener una de las tramas más enrevesadas de la historia del cine, la historia se hace más difícil de seguir al dejar muchas partes de la historia sin desarrollar. Una anécdota cuenta que durante el rodaje, el director y los guionistas no eran capaces de saber quién mató al chofer por lo que enviaron un telegrama al autor del libro, el cual respondió: "carajo, yo tampoco lo sé".

Humphrey bogart, protagonista de la película encarna a unos de sus personajes favoritos, investigador privado, inflexible, irónico y duro como ya hiciera con el detective Sam Spade en la película el Halcón Maltés, donde la personalidad del personaje y sus motivaciones son difíciles de establecer. El protagonismo de la película lo comparte con Lauren Bacall, actriz con la que tenía una conexión especial con la cual ya protagonizó otra película de Howard Hawks, tener y no tener.


El compositor de la música fue Max Steiner, uno de los grandes compositores de bandas sonoras con obras maestras como Lo que el viento se llevo, precursora de la inclusión del Leitmotiv en el cine, King Kong, casablanca, el delator, entre otros.

En conclusión, a parte de su enrevesada historias, anécdotas sobre el guión, la película presenta las directrices clásicas de cine negro, una sociedad violenta, cínica y corrupta que amenaza no sólo al héroe sino que también a el resto de los personajes, dentro de un ambiente de pesimismo fatalista, las fronteras entre los buenos y los malos se difuminan y por supuesto la mujer fatal que, aparentemente inofensiva conduce a sus víctimas al peligro.

Trailer

Phoenix

Debido a la muerte de Brittany Murphy me vino a la mente esta película la cual voy a comentar ahora brevemente. No he encontrado mucha información sobre ella y además la vi hace mucho tiempo solo se que me gusto y que iba sobre policías corruptos y gente que no parece lo que es. El director es Danny Cannon, quizás esta sea su única película destacable. Lo mejor de la película es su reparto, Ray Liotta, uno de los Baldwin (a saber cual), el locuaz representante de el sequito, Anjelica Huston (La hija de John Huston), el hermano loco de Phoeve (friends) y la ya mencionada Brittany Murphy. Un simple pero respetable guión, una historia pegadiza, sin alardes técnicos pero bien realizada son los ingredientes necesarios para hacer una película destacable y pegadiza.

En conclusión, una violenta película carne de los obsoletos vídeo club que deja buen sabor de boca pero que se olvida a las dos horas de verla.

Estamos de Luto

Ha muerto a sus 32 años la actriz brittany murphy, vamos que tampoco era Grace Kelly pero yo creo que se merece una pequeña y merecida despedida. No hizo grandes películas y tampoco era una actriz para tirar cohetes pero bueno para mi se tiene el cielo ganado por sus interpretaciones en Phoenix y Sin city.

Spike Jonze

Indagando un poco en la actual cartelera para intentar descubrir algo interesante para ver, sorpresa para mi he podido vislumbrar que el director de Donde viven los monstruos es nada más y nada menos que Spike Jonze, mi reacción ha sido, ostia de qué me suena. La solución a mi increíble cuestión la he resuelto en mi amada wikipedia. Leyendo he descubierto gratas cosas para mi, entre las mas destacables están la de ser el director de aquella película que vi con un amigo que se había comprado en VHS por 1 euro en un videoclub y que resulto ser bastante buena, claro estoy hablando de cómo ser John Malkovich, pero eso no es lo único sino que además suele colaborar con el guionista Charlie Kaufman, destacado por ser el escritor de olvídate de mi, dirigida por Michael Gondry que además de esta película también es director de videos musicales y porqué os escribo todo este rollo, por que una de las cosas que más me llamaron la atención de Spike Jonze mientras leía en la Wikipedia es que al igual que Michael Gondry, Jonze también es director de videos musicales.

El mundo es un pañuelo.

Videoclib de Spike Jonze
Videoclib de Michael Gondry

Ohhh my goodddd!!!!

Para hoy un vídeo bastante gracioso que me han pasado de las peores escenas jamas vistas en la historia del cine, mención especial para el "ohh my gooood" de Troll 2, esto si que una buena utilización del ralentí y no grupo salvaje.

Pajas Mentales

Primer es una compleja película de puro cine independiente cuyo enunciado narratológico resulta difícil de seguir, tensamente dramática y con continuos diálogos que incluso se hacen incomprensibles. Con una persuasiva estética visual, Primer fuerza al espectador a reconstruir el puzzle de la historia al mismo tiempo que lo hacen los personajes, creando una película que demanda posteriores visiones. Un film que podría calificarse de original, inteligente y complejo. Al igual que Shane Carruth con su debut, otros directores han llevado a la gran pantalla por cuatro duros complicadas historias fruto de sus mentes enredadas y a veces enfermas.

Cabeza borradora (David Lynch): El debut del director de terciopelo azul es la paja mental cinematográfica por antonomasia.


Shizopolis (Steven Soderbergh): El cineasta interpreta a un seguidor de la iglesia del eventualismo (¿?)



PI (Darren Aronofsky): Viaje a la mente de un matemático obsesionado con la cifra 3,1416.


Follonwing (Christopher Nolan): Debut del director de memento sobre un hombre que sigue a desconocidos.



Fear X (Nicolas Winding Refin): Al raro de John Turturro le cuesta saber si lo que esta viviendo es sueño o realidad.


Gozu (Takashi Miike): No podía faltar a la cita el bueno de Miike con la primera película de la historia de terror yakuza donde lo absurdo es el eje central.

Memorable Masacre

Grupo Salvaje es desagradable y romántica a la vez, arrastra el mito de las películas de vaqueros a una era de asesinatos masivos simbolizada por la ametralladora Gartling. El tiroteo que cierra Grupo Salvaje, obra maestra del director Sam Peckkinpah, esta considerado el más brutal jamás rodado. Cuatro hombres se enfrentan a doscientos, y no sobrevive nadie. ¿Poco realista?"El realismo me importa una mierda; yo hago películas, no documentales" declaró el director, maestro de cineastas como John Woo y Quentin Tarantino.



EL ARSENAL: La escena dura diez minutos, para los cuales fueron necesarios veintisiete días de rodaje. Se usaron mil armas y más de noventa mil cargadores de munición de fogueo.

CÁMARA LENTA: La novedad fue rodar la escena al ralentí para recrearse en el impacto de los disparos.

VIOLENCIA SUCIA: Fue el primer filme donde los "héroes" disparaban incluso contra niños y se cubrían detrás de mujeres.

Reportaje de la película

Catherine

Catherine, la mujer fatal del cine, capaz de conseguir lo que quiere, con el arma mas poderosa que existe, el amor. Catherine enamoraba a Jim y a Jules, rehaciendo a su antojo lo que quería con los personajes, al mismo tiempo que Jeanne Moreau enamoraba a Truffaut, Jules Et Jim , nació de ese amor, habría sido imposible hacer esa película sin la obvia felicidad del director que filmaba a su actriz, se siente una sombra de tristeza cuando ella sale de cuadro, un escalofrío de entusiasmo y de deseo cuando vuelve a entrar. Catherine no necesitaba nada más que ella misma para hacer cumplir sus deseos, volvía loco al pobre de Jules, amaba a Jim , Catherine era una catarsis.

Trailer

TERRA ICONGNITA

Juliette Lewis, tiene un nuevo disco, pero esta vez ha cambiado a "and the licks" por "and the new romantics". Lo único que cambia no es el nombre sino que además los detalles de sonidos psicodélicos de su nueva banda gracias a la ayuda de Omar rodríguez-López, productor del disco Titulado "Terra Icongnita."

Videoclib Fantasy Bar

Dejamé Entrar

Cada cierto tiempo pasa esto en el mundo del cine, surge de la nada una buena película, alejada de los convencionalismos, el marketing, sin ser un director experimentado, pero de repente aparece una cinta no comercial pero que se acaba estrenando en todos los cines. La última vez que tuve esta sensación fue con Donnie Darko y ahora me ha pasado con Dejamé Entrar.

La película se muestra sin grandes pretensiones, con una cuidada iluminación y fotografía, muy buena composición de planos, un uso muy creativo del enfoque selectivo y sin embargo es de un director Sueco, Tomas Alfredson, que ha conseguido llevar su segunda película a las principales salas comerciales. Es un film de Vampiros, pero no creáis que reinventa el genero, nada de balas de plata ni vampiros resistentes al sol, sino que más bien heredas las características clásicas del genero de vampiros para hacer una película bastante interesante. Es un film en el que los vampiros intentan convivir con los humanos pese a beber sangre, tener una fuerza increíble y no poder ver el sol, nos muestra la parte más humana de los vampiros con la relación de amistar-amor entre los dos protagonistas sin alejarse del genero de terror y convertirlo en una pastelada romántica para adolescentes como Crepusculo.

Por lo tanto estamos ante una película sorprendente, muy recomendable, alejada de la banalidad hollywodiense (aunque no creo que tarde en hacer el remake) y que además solo por ver la interpretación de Lina Leandersson merece la pena porque desde Max Schreck en Nosferatu no me había impactado tanto la interpretación de un Vampiro.

Glory to the Filmmaker

Sería muy fácil decir porque Glory to the filmmaker es muy mala película como haría cualquier critico amateur pedante estudiante de periodismo, por lo tanto yo voy a intentar defenderla, cosa bastante difícil.

Lo primero para entrar en materia habría que decir que nos encontramos ante la penúltima película de Takashi Kitano, basándonos en la sinopsis el director interpreta una versión de sí mismo en la que representa a un director que, cansado de rodar cine violento, va experimentando con diferentes géneros en un intento por completar su último proyecto.

Para empezar, Kitano nos tiene acostumbrados hacer películas muy buenas, que no se salieron así al azar, sino que tras mucho trabajo dedicación en las cuales él siempre hace lo que creativamente le apetece ya que suele encargarse de la dirección, guión y montaje. Al igual que con las demás, en esta Kitano vuelve a dedicarse en pleno en todos los procesos de creación, por lo tanto creo que no es mala porque si, sino que es mala a caso echo, el ha querido hacer una película mala, ¿Porque ha querido hacer eso? pues no se, reflejar la decadencia del cine, la incapacidad creativa, solo dios y el sabe lo que pasaba por su Nipona cabeza cuando se decidió por realizar esta película.

Entre tanto desorden narrativo, incoherencias argumentales, aparece pequeños trazos de películas, pequeñas historias, que en la búsqueda de su creatividad nos demuestra que si sabe hacer las cosas bien, cada una de esas pequeñas películas recrean un momento histórico en particular, explora distintos géneros, haciendo un homenaje por toda la cultura cinematográfica Japonesa, y en la mayoría de los casos con muy buen gusto.

Pero lo más importante de todo, lo que hace que se reste importancia a los concierto de rock con guitarras pene o a las personas canguros, es que Kitano se ríe de si mismo, es decir, el director nos demuestra que quiere reírse de si mismo haciendo una película mala y de paso reírse también de los medios japoneses y de la visión que el público tiene de su cine.



"Nunca he sentido placer haciendo cine". Takeshi Kitano