Chris Cornell acaba de sacar un nuevo disco en solitario, Scream, algo diferente a lo que nos tiene acostumbrados, lo cual me ha recordado el primer disco que saco en solitario tras la disolución de Soundgarden halla por finales de los 90, ya que también era algo diferente a lo que venía haciendo con su antigua banda, quizas estemos ante un cambio de registro en su carrera músical.
Con su primer proyecto solista titulado "Euphoria Morning" nos demostró que es una de las mejores voces del rock. Desde los 8 años aprendió a tocar guitarra, batería y bajo, un gran fanático de las melodías de los Beattles y una carrera forjada alrededor de grupos como Nirvana, Mudhoney y Pearl Jam.
Para Chris Cornell lo más importante de todo es despertar aquellas fibras humanas que son tan difíciles de tocar, él tiene un termómetro para sus canciones, si la canción que compone le causa escalofríos para él ya es suficiente, por que confía en sus sentimientos y hace bien porque suele hacer buenos trabajos. Un disco lleno de misticismo, surrealismo y texturas auditivas son el complemento para que en este disco él pudiera experimentar diferentes tonalidades con su voz.
La primera canción del disco Can't Change me logro colarse dentro de las listas de popularidad mundial, la reacción de los medios fue impresionante, pues la prensa especializada lo recibió con gusto y gran aceptación como en los viejos tiempos de Soungarden.
¿Que tienen en común Hana-bi, Dolls, Sonatine, Naussica, la princesa mononoke, porco rosso...? Pues ante todo una excelente banda sonora que corre a cargo de Joe Hisaishi, un prolífico compositor Japones responsable de más de 100 bandas sonoras. Sus acordes de piano y violín se entremezclan de forma natural con la historia y los personajes de sus películas algo que ayuda completamente a sumergirnos en ese mundo de fantasía y ficción llamado cine. Sin lugar a dudas Kitano o Miyazaki tienen mucho que agradecer a este compositor ya que, quizás no sea determinante pero sin lugar a dudas ha ayudado profundamente a crear obras de arte cinematográficas.
Aquí os dejo un ejemplo, se trata del tema principal de la película Verano de Kikujiro de Takeshi Kitano.
Nosferatu obra cumbre del expresionismo cinematográfico es una de las películas más aclamadas de todos los tiempos, sin embargo su rodaje y posterior estreno no está exento de turbios elementos y pese a ser de los años 20 de innovadoras técnicas de realización:
El director Friedrich Whilhelm Murnau y Albin Grau no tenían intención de pagar los derechos de autor a Bram Stoker por la obra en la que se basó el guión. Por ello, intentaron disfrazar los personajes cambiando los nombres y las referencias geográficas. Poco después de su estreno en 1922, la viuda de Bram Stoker denunció el impago de derechos de autor por la adaptación cinematográfica. La sentencia obligó a suspender la proyección de la película y a destruir todas las copias y el negativo. Afortunadamente, la resolución judicial no fue cumplida en su totalidad, lo que permitió la conservación de la película.
Nosferatu está dividada en cinco actos, correspondientes a las diferentes fases de la historia. Es por eso que el título original se refiere a una “Sinfonía de horror”. En 1978, Werner Herzog dirigió una nueva versión de Nosferatu en claro homenaje a la película de Murnau, convertida en todo un clásico del cine de terror. Esta producción checo-holandesa tiene como protagonista a Klaus Kinsky en el papel del Conde Drácula, quien consiguió una excelente caracterización.
Otro de los célebres homenajes a la película de Murnau es el que brinda Francis Ford Coppola en el primer terció de su “Drácula.” En concreto, se nos hace un guiño a la secuencia del viaje fantasma, en la que cineastas como el ítaloamericano ven una lección de creatividad cinematográfica. En el viaje de Jonathan Hutter hacia el castillo de orlok, es recogido por un misterioso carruaje, de negro riguroso, envidado por el conde. En este trayecto es cuando Jonathan entra en el mundo fantasmagórico y terrorífico del vampiro. Para crear esta sensación de irrealidad y provocar un inconsciente desasosiego en el epectador, Murnau además de acelerar la velocidad de proyección, incluyó un inserto en negativo.
Un análisis más detallado de este fragmento, desvela que no sólo se limitó a utilizar el negativo, sino que trabajó a conciencia este momento crucial. Murnau cubrió el carruaje, los caballos y el conductor con telas blancas, de modo que al ser proyectado el negativo permaneciesen de color negro. De este modo, el mismo carruaje se adentraba en un paisaje sobrenatural.
Debido a su temática, Nosferatu ha sido fuente de innumerables leyendas sobre su rodaje. La más curiosa es, sin duda, la que afirma que el actor Max Shreck, que interpretaba al Conde Orlok, se trataba realmente de un vampiro. Impulsado por el terrorífico aspecto físico del autor y su excelente interpretación, se llegó a decir que Shreck era un verdadero vampiro que Murnau había contratado para interpretar el papel.
Si el rodaje de Nosferatu estuvo rodeado de singularidades, una de las más extrañas fue el casting de ratas que se convocó mediante un anuncio en el periódico local de Wismar. El 31 de Julio de 1921, en la página de anuncios locales, es lugar destacado y con letras de tamaño extra grande, los habitantes de Wismar pudieron leer: “Para el inmediato rodaje de una película se precisan 30-50 ratas vivas y bien alimentadas. Se pagará generosamente”
Algunas de las leyendas sobre el rodaje de nosferatu han dado lugar a la película ”La sombra del vampiro”(2001). El director Elias Merhige construye un relato alrededor de leyendas y verdades sobre el rodaje, con Willem Dafoe en el papel del actor Max Shreck. Dafoe se sometió a largas horas de maquillaje para encarnar al Conde Orlok del rodaje, siendo su interpretación lo más apreciable en la película.
Acordes contundentes y voz rasposa para una pandilla de chicas salvajes que agradecen la respuesta de sus fans lanzándoles compresas ensangrentadas. Entre Ramones y Motorhead, siempre cachondas en la más amplia acepción del término, su rock duro resulta tan castrador como estimulante.
En 1964 nació un icono para el cine de terror y para la sociedad brasileña. Se trataba de Ze do Caixao (Traducible como José del Ataúd). Una siniestra figura vestida de negro, con una capa y luciendo unas uñas curvadas de 20 centímetros de largo. Su objetivo vital era encontrar a la mujer perfecta y asesinar a toda persona que se interponga en su camino. Su creador e intérprete era el director José Mojica Marins, un cineasta radicalmente independiente que ideó a Ze do Caixao a raíz de una pesadilla en la que se le aparecía una figura vestida de negro que le obligaba a ver las fechas de su nacimiento y muerte.
El éxito de “A medianoche me llevaré tu alma”, primera película en la que aparece Ze, fue tan desmesurado que pronto este personaje tendría su propia canción, un programa de televisión y un cómic, además de servir como recurso para las madres cuando los niños se portaban mal (algo así como el coco en España).
Al particular universo sangriento y erótico de Marins, no le falta la antropofagia, el sadismo, y todas las inmoralidades propias del cine de terror más bizarro. José Mojica Marinsdirigió westerns, comedias musicales y pornochanchadas, género en el cuál tuvo la distinción de filmar la primera escena de sexo entre un perro y una mujer en Brasil. Estuvo en la cárcel, se presentó al congreso como diputado, fundó su propia iglesia y su escuela de cine, tuvo 23 hijos con siete mujeres distintas pero José Mojica Marins ha sido también el cineasta más censurado y perseguido en la historia del Brasil y el único realmente independiente de su país.
Hijo de padres españoles, José Mojica Marins nació en 1936 tras una gestación de 11 meses, retraso debido a una condición irregular del vientre de su madre. Siendo su padre torero y su madre cantante de tangos, vivían recorriendo varias localidades del Brasil hasta que después del robo de su hijo por parte de unos gitanos, decidieron abandonar la vida errante y asentarse definitivamente en el barrio de Vila Anastasio, en Sao Paulo. Ahí, después que la Sociedad en contra de la Crueldad hacia los Animales lograra que la fiesta brava se prohibiera en el Brasil, se dedicaron de tiempo completo al cuidado y manejo del cine de Vila Anastasio llamado Santo Estevao, propiedad de un primo del Sr. Mojica y para lo cual tuvieron que irse a vivir en él, justo detrás de la pantalla. Fue allí donde a temprana edad Mojica Marins se interesaría por las imágenes en movimiento.
A la edad de 7 años, Mojica desarrollaría un fuerte interés en los comic y en los fenómenos sobrenaturales, especialmente en el tema de la muerte, gracias a un acontecimiento que le marcó de por vida. Cuenta Marins que cerca de donde vivía había una tienda de papas cuyo dueño solía contarles relatos acerca de la muerte, sobre cómo la gente después de morir iba al cielo en donde había muchos animales y las personas podían comunicarse con ellos. Un día, este señor murió y todo el pueblo asistió a su funeral. Inconsolable, su esposa lloraba y gemía diciendo que solo los buenos morían mientras que los malos permanecían vivos. Sus hijos sugirieron que todos rezasen para que regresara su padre, cosa que todos hicieron incluyendo el propio Marins y tres de sus amiguitos. Grande sería la sorpresa para todos cuando durante sus oraciones, ¡el cuerpo dentro del ataúd comenzó a moverse! Como si nada hubiese ocurrido, el hombre se incorporó de su féretro, todavía con algodón dentro de su boca y fosas nasales, al tiempo que toda la gente reunida huía despavorida, incluyendo a su esposa, su madre, sus hijos y el sacerdote. En el lugar sólo permanecieron Mojica y sus tres amigos curiosos por saber lo que había pasado. Obviamente el hombre no estaba muerto sino que sufría de catalepsia, algo que en esa época era totalmente desconocido en la región. Al final, la esposa dejó al desafortunado hombre, alegando que ése no era su marido, sino que era el mismo demonio que se había posesionado de él. Nadie más volvió a su tienda a comprarle papas y entonces trató de asentarse en otro poblado, pero los rumores le acompañaron y fue mandado a un manicomio, en donde murió dos años después. Tales eventos marcarían a Mojica de por vida.
Pero no sería la única vez que Marins tendría aproximaciones con el mundo de los muertos. Años más tarde, a los 15 años de edad, cuando paseaba con un amigo suyo, su bicicleta se rompió frente al cementerio y con horror vieron cómo varias luces resplandecientes se alzaban sobre las tumbas de los muertos. Este es un fenómeno conocido como fuegos fatuos, pero para los impresionables chicos eran las almas de los muertos que estaban dispuestos a invadir el mundo. Dadas esta experiencias y viviendo en un país impregnado con magia y misticismo, resultado de la mezcla de grupos raciales y religiosos, no es de extrañar que las películas de José Mojica Marins, en especial sus cintas de horror, reflejen un singular y rico folklore que no se parece a nada que se haya filmado antes en ese país.
Desde Dinamarca y con el sello del movimiento Dogma aparece la película “Italiano para principiantes” fiel a la mayoría de los postulados del Decálogo fundado por Lars von Traer. La joven directora Lone Scherfig ha querido mantener el toque de frescura que los protagonistas podían respirar en un barrio de Copenhague, y para ello huye de toda artificiosidad al filmar, excluye cualquier música y sonido que no sean los diegéticos, y rueda con cámara en mano. Esta estampa de la vida danesa se presenta como una comedia romántica, pero más bien parece un melodrama de la fría existencia individual en un país protestante. Sólo en el desenlace se endulza con un final feliz, al formarse las parejas entre quienes buscaban el amor que no tenían. Una peluquera solterona y de madre alcohólica, una dependiente de una pastelería de padre gruñón e insoportable y madre desconocida, una joven italiana que reza para que el conserje del hotel en que trabaja se le declare. Y por otro lado, un joven pastor protestante recién enviudado y preocupado por el tema de la culpa y el perdón, un camarero forofo de la Juventus y de modales ariscos, y un conserje un poco tímido y limitado pero de buen corazón. Ya tenemos los mimbres para que se den varias situaciones de enredo; estos singulares vecinos se entrelazarán gracias a unas clases de italiano (idioma romántico donde los haya), el trato de cada día en esa común afición y la mutua necesidad de amor les empujarán con naturalidad a entablar unas relaciones de afecto, en un clima tan atípico como el resultante de la mezcla de lo danés y lo italiano. Son gentes sencillas y buenas, sin muchas luces intelectuales ni horizontes vitales. Viven en soledad, en un vacío existencial, y en convivencia con el dolor y el sufrimiento, reprimidas en algún caso, y con familias rotas o en crítica situación en otros. Falta cariño, y eso se aprecia más en el día de Navidad o en los funerales a los que asistimos, se vive y se muere en soledad; es el individualismo, la frialdad nórdica y el sentido de la culpa; de hecho lo único que el joven pastor puede hacer es ofrecerse a escucharles. Tanto es así, que el personaje distinto, el más afable y cariñoso es Giulia, no se sabe si por italiana o por católica. Esta caracterización de los personajes está muy bien conseguida por la directora, recreando adecuadamente las mentalidades nórdica y latina, y las distintas actitudes ante el amor. La historia acaba bien, y se presumen horizontes de felicidad para los distintos personajes. Pero en el camino han quedado importantes asuntos morales, de plena actualidad en nuestra sociedad, no abordados en profundidad: la familia y su desunión, la educación sin cariño y afecto, el dolor no bien digerido, la ancianidad o la enfermedad como un problema, la vida y la eutanasia... Por todo, parece más un melodrama que una comedia: un triste drama humano con un vacío existencial, sin encontrar una salida esperanzadora. Da que pensar. Tras el "italiano para principiantes" del título, se añade el "...y amor para los perdedores" significando que sólo éste redime del trauma de la muerte que todos arrastran: éste es el mensaje de la película, con el que se busca convertirla en comedia y a la vez dar una respuesta de esperanza.
(Este es el único trailer que encontrado en Youtube)
