Catherine, la mujer fatal del cine, capaz de conseguir lo que quiere, con el arma mas poderosa que existe, el amor. Catherine enamoraba a Jim y a Jules, rehaciendo a su antojo lo que quería con los personajes, al mismo tiempo que Jeanne Moreau enamoraba a Truffaut, Jules Et Jim , nació de ese amor, habría sido imposible hacer esa película sin la obvia felicidad del director que filmaba a su actriz, se siente una sombra de tristeza cuando ella sale de cuadro, un escalofrío de entusiasmo y de deseo cuando vuelve a entrar. Catherine no necesitaba nada más que ella misma para hacer cumplir sus deseos, volvía loco al pobre de Jules, amaba a Jim , Catherine era una catarsis.
Juliette Lewis, tiene un nuevo disco, pero esta vez ha cambiado a "and the licks" por "and the new romantics". Lo único que cambia no es el nombre sino que además los detalles de sonidos psicodélicos de su nueva banda gracias a la ayuda de Omar rodríguez-López, productor del disco Titulado "Terra Icongnita."
Cada cierto tiempo pasa esto en el mundo del cine, surge de la nada una buena película, alejada de los convencionalismos, el marketing, sin ser un director experimentado, pero de repente aparece una cinta no comercial pero que se acaba estrenando en todos los cines. La última vez que tuve esta sensación fue con Donnie Darko y ahora me ha pasado con Dejamé Entrar.
La película se muestra sin grandes pretensiones, con una cuidada iluminación y fotografía, muy buena composición de planos, un uso muy creativo del enfoque selectivo y sin embargo es de un director Sueco, Tomas Alfredson, que ha conseguido llevar su segunda película a las principales salas comerciales. Es un film de Vampiros, pero no creáis que reinventa el genero, nada de balas de plata ni vampiros resistentes al sol, sino que más bien heredas las características clásicas del genero de vampiros para hacer una película bastante interesante. Es un film en el que los vampiros intentan convivir con los humanos pese a beber sangre, tener una fuerza increíble y no poder ver el sol, nos muestra la parte más humana de los vampiros con la relación de amistar-amor entre los dos protagonistas sin alejarse del genero de terror y convertirlo en una pastelada romántica para adolescentes como Crepusculo.
Por lo tanto estamos ante una película sorprendente, muy recomendable, alejada de la banalidad hollywodiense (aunque no creo que tarde en hacer el remake) y que además solo por ver la interpretación de Lina Leandersson merece la pena porque desde Max Schreck en Nosferatu no me había impactado tanto la interpretación de un Vampiro.
Sería muy fácil decir porque Glory to the filmmaker es muy mala película como haría cualquier critico amateur pedante estudiante de periodismo, por lo tanto yo voy a intentar defenderla, cosa bastante difícil.
Lo primero para entrar en materia habría que decir que nos encontramos ante la penúltima película de Takashi Kitano, basándonos en la sinopsis el director interpreta una versión de sí mismo en la que representa a un director que, cansado de rodar cine violento, va experimentando con diferentes géneros en un intento por completar su último proyecto.
Para empezar, Kitano nos tiene acostumbrados hacer películas muy buenas, que no se salieron así al azar, sino que tras mucho trabajo dedicación en las cuales él siempre hace lo que creativamente le apetece ya que suele encargarse de la dirección, guión y montaje. Al igual que con las demás, en esta Kitano vuelve a dedicarse en pleno en todos los procesos de creación, por lo tanto creo que no es mala porque si, sino que es mala a caso echo, el ha querido hacer una película mala, ¿Porque ha querido hacer eso? pues no se, reflejar la decadencia del cine, la incapacidad creativa, solo dios y el sabe lo que pasaba por su Nipona cabeza cuando se decidió por realizar esta película.
Entre tanto desorden narrativo, incoherencias argumentales, aparece pequeños trazos de películas, pequeñas historias, que en la búsqueda de su creatividad nos demuestra que si sabe hacer las cosas bien, cada una de esas pequeñas películas recrean un momento histórico en particular, explora distintos géneros, haciendo un homenaje por toda la cultura cinematográfica Japonesa, y en la mayoría de los casos con muy buen gusto.
Pero lo más importante de todo, lo que hace que se reste importancia a los concierto de rock con guitarras pene o a las personas canguros, es que Kitano se ríe de si mismo, es decir, el director nos demuestra que quiere reírse de si mismo haciendo una película mala y de paso reírse también de los medios japoneses y de la visión que el público tiene de su cine.
"Nunca he sentido placer haciendo cine". Takeshi Kitano
Si la muerte hoy llegara a buscarte, disimula haz como si fueras una muñeca grande. Si en verdad la muerte hoy llegara a buscarte, cúbrete la cabeza y píntate los ojos,
que yo estaré hablando con Dios, buscando una solución. Le pediré el último favor, le pediré por favor.
Si al final la muerte hoy te alcanzase, lucha eres fuerte te quiero daría mi vida por ti.
Hoy la muerte tendrá cara de hombre guapo, a un actor de cine se parecerá. Si la muerte te encontrase lucharía por ti. Con tu sangre mi cama pintaría. Como un lobo aullaría, Pris, Pris, Pris, no llores más que yo recordaré tu nombre:
Pris.
Cuando todos nos hayamos marchado, nadie recordará que estuvimos aquí. Los juguetes no tienen alma ni memoria, pero sonreirás de nuevo cuando me veas venir.
Recordaré tu silueta, cuando dabas volteretas
y aullaré como un lobo por ti. ¡Auuuh!
Y el final será un ataque en vano, y la muerte será cazada. Pero sólo queda tiempo para salvar a aquel actor.
Después de 14 horas de películas (incluyendo versiones extendidas) el legendario Gandalf el gris lo único que hace es espantar a un Nazgul con una luz blanca, pero lo peor es que ni si quiera lo mata, pero que mierda de mago es ese, no hace nada realmente mágico en las tres películas, bueno se enfrento al balrog y fue arrastrada al fondo del abismo saliendo ileso pero no hizo nada mágico. Sin embargo en la serie de televisión La leyenda del buscador podemos ver a las primeras de cambio a un mago echando fuego por las manos, eso si es un mago, a lo largo de la primera temporada nos recrea con un verdadero repertorio de magia, hechizos paralizadores, curativos, engañosos, disfraces mágicos pero sobre todo mucho fuego y explosiones. Todo esto sin ser tan creído y grandilocuente como Gandalf, hay que ser un poco más humilde y hacer tu trabajo, sino no te hagas llamar mago.
Es posible alcanzar un notable reconocimiento en el panorama hardcore español y europeo a finales de los noventa, continuar con Constantes reinvenciones, incursiones en el mundo del teatro, instrospección, experimentación, abandono del inglés y paso al español, giros estilísticos... Búsqueda del camino a seguir, pero sin detenerse ni un instante y lo más importante vivir para contarlo... pues Standstill han demostrado que si con el documental autobiografico "10 años y una zanahoria"
Lo que llama la atención de un trabajo tan mimado como Diez años y una zanahoria son sus protagonistas. No, no me refiero a los miembros del grupo, que también, sino a sus madres. Ellas son las narradoras principales a lo largo de los 80 minutos de documental. Y es que quién mejor que una madre para contar los anhelos, frustraciones, vaivenes y traspiés de un hijo.
Este documental repasa la trayectoria de un grupo grupo que sobrevivió en el mundillo hardcore musical español y fueron capaces de cambiar totalmente de registro publicando el disco "vivalaguerra"que representaría una bocanada de aire fresco en el panorama de la música independiente estatal.
En definitiva un relato emocionante y poético sobre la juventud y el inconformismo vital, Sobre los sueños y los frutos de trabajar y luchar por lo que crees. Una retrospectiva altamente recomendable de una de las bandas más grande que ha dado este país en muchos años.
Dean Wareham, Damon Krukowki y Naomi Yang fueron el motor de un grupo que se enfrentó al emergente y feroz grunge desde el amauterismo y el gusto por las atmósferas recargadamente lánguidas. Wareham ha demostrado una sutil habilidad, quizá demasiado condicionada a clásicos como Velvet Undeground, para recrear los sonidos en penumbra de una mente a bajo voltaje emocional.
Hoy voy a volver a hablar del prolífico director favorito de la Trobosfera, Takashi Miike y su cine de Yakuzas.
En principio la mayoría de las películas de Miike están concebidas como Yakuza eigas aunque finalmente acaban desviándose por unos derroteros que nada tienen que ver con dicho genero.
Si bien Full Metal Yakuza sigue la estructura de una típica película de yakuzas, con el protagonista principal en busca de venganza tras la muerte de su superior como tema principal, otros elementos ajenos al género como el absurdo, que luego sería la característica más reseñable en Gozu con la que Full Metal Yakuza comparte ciertas similitudes temáticas, también aparece en un buen número de ocasiones. De esta manera, Miike juega una vez más con las convenciones del género desviándose de éste, Ichi the killer y Fudoh, the new genation también ofrecen una propuesta alternativa del género yakuza, combina el cine de yakuzas con la ciencia ficción.
Es posible ver ciertos trazos en el temprano trabajo Full Metal Yakuza que luego Miike desarrollaría en otros largometrajes como los ya mencionados ichi the killer y Gozu. En éstos films Miike pone de relieve uno de los temas más recurrentes en este género: la relación entre miembros de un clan como entre anikis o entre jefe y subordinado. Miike deforma estas relaciones transformándolas en grotescas y surreales. En Ichi the killer tenemos la relación sadomasoquista entre Kakihara y su jefe, y tras la muerte/desaparición de este último, la búsqueda de Kakihara por un reemplazo de su jefe que toma la forma del perturbado Ichi. En Gozu el jefe de Minami, de nuevo tras su desaparición, reaparece como una mujer con la que hace el amor culminando de esta manera la atracción que siente por él y evitando así tacharla de homosexual. En Full Metal Yakuza, Ken es recompensado por su lealtad hacía su admirado Tosa con el obsequio de las partes más preciadas de su mentor (su corazón de Yakuza, su tatuaje y su pene) convirtiéndose en una mezcla entre robocop y el más cutre héroe japonés Kamen Rider..
Siguiendo las tradiciones del Yakuza eiga las mujeres son sólo un estorbo en la relación entre yakuzas en las películas de Miike. Aún cuando ahora Ken esta dotado con un pene XL, corta con su novia la cual le estaba poniendo los cuernos con uno de sus anikis y rechaza a la novia de su jefe, manteniendo de esta manera la pureza de sus nuevas partes y su lealtad hacia su jefe. Al igual que Kahikiara rechaza una relación con una chica debido a que eso solo entorpecería la búsqueda de su jefe, ya que como el propio kahikiara dice “el jefe lo hacia mejor”.
Siguiendo con la temática del verano que comenzé con Exterminator Jesus de trailer bizarros sobre robot pues continuamos con algo realmente trash, sin lugar a dudas, lo más gore del cine oriental actual, no es otra cosa que Robogeisha. Viendo el trailer puedes apreciar todas las carácteristicas y cualidades de la protagonista de la pelicula.
Y si Jesucristo hubiese pasado una situación similar que John Connor, el lider de la resistencia que lucha contra skinet, es decir, y si hubiesen mandado un T-800 desde el futuro para proteger en este caso al lider de la resistencia contra los romanos, el hijo de dios, Jesus. Pues esto es lo que plantea esta parodia que encontrado en Youtube. No se quien l ha echo, o nisiquiera si es una trailer de alguna pelicula de Serie z, pero sin lugar a dudas, molaría un monton, superaría incluso a Jesucristo Caza Vampiros.
Chris Cornell acaba de sacar un nuevo disco en solitario, Scream, algo diferente a lo que nos tiene acostumbrados, lo cual me ha recordado el primer disco que saco en solitario tras la disolución de Soundgarden halla por finales de los 90, ya que también era algo diferente a lo que venía haciendo con su antigua banda, quizas estemos ante un cambio de registro en su carrera músical.
Con su primer proyecto solista titulado "Euphoria Morning" nos demostró que es una de las mejores voces del rock. Desde los 8 años aprendió a tocar guitarra, batería y bajo, un gran fanático de las melodías de los Beattles y una carrera forjada alrededor de grupos como Nirvana, Mudhoney y Pearl Jam.
Para Chris Cornell lo más importante de todo es despertar aquellas fibras humanas que son tan difíciles de tocar, él tiene un termómetro para sus canciones, si la canción que compone le causa escalofríos para él ya es suficiente, por que confía en sus sentimientos y hace bien porque suele hacer buenos trabajos. Un disco lleno de misticismo, surrealismo y texturas auditivas son el complemento para que en este disco él pudiera experimentar diferentes tonalidades con su voz.
La primera canción del disco Can't Change me logro colarse dentro de las listas de popularidad mundial, la reacción de los medios fue impresionante, pues la prensa especializada lo recibió con gusto y gran aceptación como en los viejos tiempos de Soungarden.
¿Que tienen en común Hana-bi, Dolls, Sonatine, Naussica, la princesa mononoke, porco rosso...? Pues ante todo una excelente banda sonora que corre a cargo de Joe Hisaishi, un prolífico compositor Japones responsable de más de 100 bandas sonoras. Sus acordes de piano y violín se entremezclan de forma natural con la historia y los personajes de sus películas algo que ayuda completamente a sumergirnos en ese mundo de fantasía y ficción llamado cine. Sin lugar a dudas Kitano o Miyazaki tienen mucho que agradecer a este compositor ya que, quizás no sea determinante pero sin lugar a dudas ha ayudado profundamente a crear obras de arte cinematográficas.
Aquí os dejo un ejemplo, se trata del tema principal de la película Verano de Kikujiro de Takeshi Kitano.
Nosferatu obra cumbre del expresionismo cinematográfico es una de las películas más aclamadas de todos los tiempos, sin embargo su rodaje y posterior estreno no está exento de turbios elementos y pese a ser de los años 20 de innovadoras técnicas de realización:
El director Friedrich Whilhelm Murnau y Albin Grau no tenían intención de pagar los derechos de autor a Bram Stoker por la obra en la que se basó el guión. Por ello, intentaron disfrazar los personajes cambiando los nombres y las referencias geográficas. Poco después de su estreno en 1922, la viuda de Bram Stoker denunció el impago de derechos de autor por la adaptación cinematográfica. La sentencia obligó a suspender la proyección de la película y a destruir todas las copias y el negativo. Afortunadamente, la resolución judicial no fue cumplida en su totalidad, lo que permitió la conservación de la película.
Nosferatu está dividada en cinco actos, correspondientes a las diferentes fases de la historia. Es por eso que el título original se refiere a una “Sinfonía de horror”. En 1978, Werner Herzog dirigió una nueva versión de Nosferatu en claro homenaje a la película de Murnau, convertida en todo un clásico del cine de terror. Esta producción checo-holandesa tiene como protagonista a Klaus Kinsky en el papel del Conde Drácula, quien consiguió una excelente caracterización.
Otro de los célebres homenajes a la película de Murnau es el que brinda Francis Ford Coppola en el primer terció de su “Drácula.” En concreto, se nos hace un guiño a la secuencia del viaje fantasma, en la que cineastas como el ítaloamericano ven una lección de creatividad cinematográfica. En el viaje de Jonathan Hutter hacia el castillo de orlok, es recogido por un misterioso carruaje, de negro riguroso, envidado por el conde. En este trayecto es cuando Jonathan entra en el mundo fantasmagórico y terrorífico del vampiro. Para crear esta sensación de irrealidad y provocar un inconsciente desasosiego en el epectador, Murnau además de acelerar la velocidad de proyección, incluyó un inserto en negativo.
Un análisis más detallado de este fragmento, desvela que no sólo se limitó a utilizar el negativo, sino que trabajó a conciencia este momento crucial. Murnau cubrió el carruaje, los caballos y el conductor con telas blancas, de modo que al ser proyectado el negativo permaneciesen de color negro. De este modo, el mismo carruaje se adentraba en un paisaje sobrenatural.
Debido a su temática, Nosferatu ha sido fuente de innumerables leyendas sobre su rodaje. La más curiosa es, sin duda, la que afirma que el actor Max Shreck, que interpretaba al Conde Orlok, se trataba realmente de un vampiro. Impulsado por el terrorífico aspecto físico del autor y su excelente interpretación, se llegó a decir que Shreck era un verdadero vampiro que Murnau había contratado para interpretar el papel.
Si el rodaje de Nosferatu estuvo rodeado de singularidades, una de las más extrañas fue el casting de ratas que se convocó mediante un anuncio en el periódico local de Wismar. El 31 de Julio de 1921, en la página de anuncios locales, es lugar destacado y con letras de tamaño extra grande, los habitantes de Wismar pudieron leer: “Para el inmediato rodaje de una película se precisan 30-50 ratas vivas y bien alimentadas. Se pagará generosamente”
Algunas de las leyendas sobre el rodaje de nosferatu han dado lugar a la película ”La sombra del vampiro”(2001). El director Elias Merhige construye un relato alrededor de leyendas y verdades sobre el rodaje, con Willem Dafoe en el papel del actor Max Shreck. Dafoe se sometió a largas horas de maquillaje para encarnar al Conde Orlok del rodaje, siendo su interpretación lo más apreciable en la película.
Acordes contundentes y voz rasposa para una pandilla de chicas salvajes que agradecen la respuesta de sus fans lanzándoles compresas ensangrentadas. Entre Ramones y Motorhead, siempre cachondas en la más amplia acepción del término, su rock duro resulta tan castrador como estimulante.
En 1964 nació un icono para el cine de terror y para la sociedad brasileña. Se trataba de Ze do Caixao (Traducible como José del Ataúd). Una siniestra figura vestida de negro, con una capa y luciendo unas uñas curvadas de 20 centímetros de largo. Su objetivo vital era encontrar a la mujer perfecta y asesinar a toda persona que se interponga en su camino. Su creador e intérprete era el director José Mojica Marins, un cineasta radicalmente independiente que ideó a Ze do Caixao a raíz de una pesadilla en la que se le aparecía una figura vestida de negro que le obligaba a ver las fechas de su nacimiento y muerte.
El éxito de “A medianoche me llevaré tu alma”, primera película en la que aparece Ze, fue tan desmesurado que pronto este personaje tendría su propia canción, un programa de televisión y un cómic, además de servir como recurso para las madres cuando los niños se portaban mal (algo así como el coco en España).
Al particular universo sangriento y erótico de Marins, no le falta la antropofagia, el sadismo, y todas las inmoralidades propias del cine de terror más bizarro. José Mojica Marinsdirigió westerns, comedias musicales y pornochanchadas, género en el cuál tuvo la distinción de filmar la primera escena de sexo entre un perro y una mujer en Brasil. Estuvo en la cárcel, se presentó al congreso como diputado, fundó su propia iglesia y su escuela de cine, tuvo 23 hijos con siete mujeres distintas pero José Mojica Marins ha sido también el cineasta más censurado y perseguido en la historia del Brasil y el único realmente independiente de su país.
Hijo de padres españoles, José Mojica Marins nació en 1936 tras una gestación de 11 meses, retraso debido a una condición irregular del vientre de su madre. Siendo su padre torero y su madre cantante de tangos, vivían recorriendo varias localidades del Brasil hasta que después del robo de su hijo por parte de unos gitanos, decidieron abandonar la vida errante y asentarse definitivamente en el barrio de Vila Anastasio, en Sao Paulo. Ahí, después que la Sociedad en contra de la Crueldad hacia los Animales lograra que la fiesta brava se prohibiera en el Brasil, se dedicaron de tiempo completo al cuidado y manejo del cine de Vila Anastasio llamado Santo Estevao, propiedad de un primo del Sr. Mojica y para lo cual tuvieron que irse a vivir en él, justo detrás de la pantalla. Fue allí donde a temprana edad Mojica Marins se interesaría por las imágenes en movimiento.
A la edad de 7 años, Mojica desarrollaría un fuerte interés en los comic y en los fenómenos sobrenaturales, especialmente en el tema de la muerte, gracias a un acontecimiento que le marcó de por vida. Cuenta Marins que cerca de donde vivía había una tienda de papas cuyo dueño solía contarles relatos acerca de la muerte, sobre cómo la gente después de morir iba al cielo en donde había muchos animales y las personas podían comunicarse con ellos. Un día, este señor murió y todo el pueblo asistió a su funeral. Inconsolable, su esposa lloraba y gemía diciendo que solo los buenos morían mientras que los malos permanecían vivos. Sus hijos sugirieron que todos rezasen para que regresara su padre, cosa que todos hicieron incluyendo el propio Marins y tres de sus amiguitos. Grande sería la sorpresa para todos cuando durante sus oraciones, ¡el cuerpo dentro del ataúd comenzó a moverse! Como si nada hubiese ocurrido, el hombre se incorporó de su féretro, todavía con algodón dentro de su boca y fosas nasales, al tiempo que toda la gente reunida huía despavorida, incluyendo a su esposa, su madre, sus hijos y el sacerdote. En el lugar sólo permanecieron Mojica y sus tres amigos curiosos por saber lo que había pasado. Obviamente el hombre no estaba muerto sino que sufría de catalepsia, algo que en esa época era totalmente desconocido en la región. Al final, la esposa dejó al desafortunado hombre, alegando que ése no era su marido, sino que era el mismo demonio que se había posesionado de él. Nadie más volvió a su tienda a comprarle papas y entonces trató de asentarse en otro poblado, pero los rumores le acompañaron y fue mandado a un manicomio, en donde murió dos años después. Tales eventos marcarían a Mojica de por vida.
Pero no sería la única vez que Marins tendría aproximaciones con el mundo de los muertos. Años más tarde, a los 15 años de edad, cuando paseaba con un amigo suyo, su bicicleta se rompió frente al cementerio y con horror vieron cómo varias luces resplandecientes se alzaban sobre las tumbas de los muertos. Este es un fenómeno conocido como fuegos fatuos, pero para los impresionables chicos eran las almas de los muertos que estaban dispuestos a invadir el mundo. Dadas esta experiencias y viviendo en un país impregnado con magia y misticismo, resultado de la mezcla de grupos raciales y religiosos, no es de extrañar que las películas de José Mojica Marins, en especial sus cintas de horror, reflejen un singular y rico folklore que no se parece a nada que se haya filmado antes en ese país.
Desde Dinamarca y con el sello del movimiento Dogma aparece la película “Italiano para principiantes” fiel a la mayoría de los postulados del Decálogo fundado por Lars von Traer. La joven directora Lone Scherfig ha querido mantener el toque de frescura que los protagonistas podían respirar en un barrio de Copenhague, y para ello huye de toda artificiosidad al filmar, excluye cualquier música y sonido que no sean los diegéticos, y rueda con cámara en mano. Esta estampa de la vida danesa se presenta como una comedia romántica, pero más bien parece un melodrama de la fría existencia individual en un país protestante. Sólo en el desenlace se endulza con un final feliz, al formarse las parejas entre quienes buscaban el amor que no tenían. Una peluquera solterona y de madre alcohólica, una dependiente de una pastelería de padre gruñón e insoportable y madre desconocida, una joven italiana que reza para que el conserje del hotel en que trabaja se le declare. Y por otro lado, un joven pastor protestante recién enviudado y preocupado por el tema de la culpa y el perdón, un camarero forofo de la Juventus y de modales ariscos, y un conserje un poco tímido y limitado pero de buen corazón. Ya tenemos los mimbres para que se den varias situaciones de enredo; estos singulares vecinos se entrelazarán gracias a unas clases de italiano (idioma romántico donde los haya), el trato de cada día en esa común afición y la mutua necesidad de amor les empujarán con naturalidad a entablar unas relaciones de afecto, en un clima tan atípico como el resultante de la mezcla de lo danés y lo italiano. Son gentes sencillas y buenas, sin muchas luces intelectuales ni horizontes vitales. Viven en soledad, en un vacío existencial, y en convivencia con el dolor y el sufrimiento, reprimidas en algún caso, y con familias rotas o en crítica situación en otros. Falta cariño, y eso se aprecia más en el día de Navidad o en los funerales a los que asistimos, se vive y se muere en soledad; es el individualismo, la frialdad nórdica y el sentido de la culpa; de hecho lo único que el joven pastor puede hacer es ofrecerse a escucharles. Tanto es así, que el personaje distinto, el más afable y cariñoso es Giulia, no se sabe si por italiana o por católica. Esta caracterización de los personajes está muy bien conseguida por la directora, recreando adecuadamente las mentalidades nórdica y latina, y las distintas actitudes ante el amor. La historia acaba bien, y se presumen horizontes de felicidad para los distintos personajes. Pero en el camino han quedado importantes asuntos morales, de plena actualidad en nuestra sociedad, no abordados en profundidad: la familia y su desunión, la educación sin cariño y afecto, el dolor no bien digerido, la ancianidad o la enfermedad como un problema, la vida y la eutanasia... Por todo, parece más un melodrama que una comedia: un triste drama humano con un vacío existencial, sin encontrar una salida esperanzadora. Da que pensar. Tras el "italiano para principiantes" del título, se añade el "...y amor para los perdedores" significando que sólo éste redime del trauma de la muerte que todos arrastran: éste es el mensaje de la película, con el que se busca convertirla en comedia y a la vez dar una respuesta de esperanza.
(Este es el único trailer que encontrado en Youtube)
Ante un anuncio en el periódico de semejantes características, muchos de nosotros acudiríamos (casi) sin pensarlo por la cuantiosa cantidad monetaria ofrecida. Aun así, si tras superar unas pruebas de selección, fuéramos uno de los elegidos, puede que cambiáramos de opinión si nos advirtieran que tendríamos que renunciar a alguno de nuestros derechos civiles, soportaríamos en la experiencia situaciones extremas y, sobre todo, cuando nos comentasen que íbamos a estar permanentemente vigilados -por medio de un circuito de cámaras- en una prisión.
Cambia la cara de uno cuando se cita esa palabra tan directamente relacionada con un bien tan preciado como la libertad. Mas el asunto no acaba ahí, tiene mucho más que ofrecer: el grupo se dividiría en dos roles, el de prisioneros -doce participantes- y vigilantes -ocho-, teniendo que comportarse como tales, resolviendo los problemas que sucedan mientras no se use la violencia. Y, para más inri, conviene recordar que todos tus movimientos serán observados por los instigadores de la situación, cuyo fin es analizar cómo se comporta el ser humano en estado de reclusión. Con solamente aguantar tienes el premio asegurado, pero has de resistir bajo esas condiciones dos semanas, las cuales pueden resultar las más interminables de tu existencia.
La elección del protagonista es en cierta medida casual, como el encuentro de éste con la oferta -al ojear un periódico-; no obstante, su 'profesión', situación personal, economía maltrecha y forma de ser son la excusa perfecta para que nos adentremos en este mundo de su mano, aunque se alternen otros puntos de vista para la coherencia interna de las imágenes. Un previo escarceo amoroso antes del enclaustramiento servirá como aliento en las interminables jornadas presidiarias, amén de servir como interludio de reposo entre tanta opresión en espacios cerrados. La trama se desarrolla con inmediatez, pese a que anteriormente se asienta en el protagonista para enseñarnos sus recovecos y motivaciones, despejándonos con sutileza las dudas sobre el experimento a la vez que vamos encaminándonos junto al grupo al encierro -las sorpresas nos sobrecogerán a ambos, la información nos llega desde su perspectiva-. El fondo musical se encargará de acompañarnos en la travesía, de dar ligeros matices al celuloide para acrecentar nuestras sensaciones. No se quedan atrás los actores que encarnan a los personajes, cada uno de ellos irá configurando un carácter verosímil (de acuerdo a su personalidad) para enfrentarse a las circunstancias del encierro; erigiéndose sus respectivos líderes en cada bando, no faltos de alternancias hasta definir sus liderazgos. La confrontación está asegurada. Lo que en un principio es un mero juego con recompensa jugosa garantizada irá destapando las maldades del ser humano, acrecentadas por sus roles. De una convivencia pacífica acordada con el fin de obtener todos el objetivo monetario sin dificultades ocurrirán malentendidos, pequeñas riñas, rifirrafes, arrogancia, que confluirán en una creencia de sus papeles hasta estar totalmente sumergidos en este mundo de cristal.
A primera vista esta experiencia fílmica nos puede parecer que será un remedo de los programas televisivos formato Gran Hermano -no es la novela de Orwell, es un espectáculo televisado las 24 horas donde se encierran personas con el objetivo de convivir mientras el público va decidiendo con expulsiones al ganador/a-, una especie de documental cinematográfico con reminiscencias de El Proyecto de la Bruja de Blair; pues no, es una película al uso, aunque juegue con una peculiar cámara subjetiva para adentrarnos en este intrincado mundo, saliéndose de la norma general. ¿Cómo? Tomando un punto de vista de análisis, de introspección, partiendo del argumento de un programa real de televisión con igual propuesta, pero para llevarlo hasta las últimas consecuencias, reflexionar hasta dónde es capaz de llegar el ser humano, qué ocurriría en esas situaciones si las llevamos al límite, y permitir que el espectador se asome a la ventana de una experiencia única que le ayudará a conformar una opinión propia sobre estos fenómenos televisivos granhermanianos.
El resultado es una propuesta ágil, imaginativa, valiente, respaldada de un argumento coherente, intérpretes metidos en la piel de sus personajes (nunca mejor dicho), con ritmo regular -aun contando con pequeñas evocaciones personales inmiscuidas que enlazarán profundamente las vidas del protagonista y una persona externa con la situación, formando una (sub)historia dentro de esta (según se mire); y pequeños desbarajustes un poco forzados, pero bien resueltos, que tampoco dilapidan la narración- sin decaídas ni monotonías, con las suficientes sorpresas como para hacernos pasar un magnífico rato, entrometernos en el contexto y, lo más importante, sacar nuestra propia conclusión de esta acuciante moda mediática, propiciar el debate interno o externo, con este largometraje social crítico-reflexivo que tan bien nos muestra la realidad de esa irrealidad artificiosa.
El final es el momento emocionalmente culminante de un filme. Tanto, que el guionista William Goldman (todo los hombres del presidente, maverick, ect), decía "prefiero una película mediocre con un buen final que lo contrario". Decidir cuál es el mejor final de la historia del cine es tarea difícil, ya que existen cientos de cintas con desenlaces memorables. Aquí ofrezco algunos de los míticos. Y que me perdonen los admiradores de Lo que el viento se llevó, el gatopardo, con faltas y a lo loco y de tantísimos títulos, por no haber querido incluirlos. La semilla del diablo (1968) El más "maternal". Mia Farrow acunando a su demoníaco bebé mientras le tararea una estremecedora nana. Al rojo vivo (1950) El más explosivo. El ganster Cody Jarret (James Cagney) se inmola sobre un depósito de gas, volándolo a tiros, al grito de: "¡Mamá, estoy en la cima del mundo!". Casablanca (1942) EL más famoso. Humphey bogart deja que Ingrid bergman huya con su marido (lider de la resistencia antinazi), y se queda en compañía de un cínico policía francés. ¿Será el inicio de una gran amistad?. El séptimo sello (1947) El más pictórico. La muerte, con su guadaña, y los apestados bailan una danza macabra en esta alegoría medieval de Ingmar Bergman. Los pajaros (1963) El más incierto. Rod Taylor y su familia huyen del pueblo asolado por las aves asesinas, sin que se sepa que destino les aguarda. 2001, una odisea del espacio (1968) El más simbólico. El astronauta Bowman flota en el espacip transformado en feto. un plano de Stanley Kubrick abierto a todo tipo de interpretaciones. El tercer hombre (1948) El más triste. En el desenlace de este célebre filme de Carol Reed, Alida Valli desprecia a su enamorado, Joseph Cotten, pasando por delante de él sin ni siquiera mirarle. ¡Qué bello es vivir! (1946) El más conmovedor y navideño. Gracias a un ángel, James Stewart desecha la idea de suicidio y descubre el cariño de su familia y amigos. Centauros del desierto (1956) El más épico. John Ford simbolizó como nacen las leyendas con el plano de John Wayne alejándose hacia el horizonte.
Hace como mil años que no actualizco el blog pero realmente hoy he visto una cosa que hace que merezca la pena, realmente no se como describirlo, pero hacía mucho tiempo que no veía un trailer tan malo. Y eso que todavía no he visto la película.
Para entrar un poco en materia a la sinopsis me remito:
"El avión en el que viajan las participantes de un concurso de belleza se estrella en una isla desierta. Aquí los náufragos harán un increíble descubrimiento: ¡el arca de Noé! El arca está protegida por un cerdo prehistórico y Noé ha sido secuestrado por los monos."
El desafío es un concurso fotográfico llevado a cabo por la empresa Canon a través de internet en el cual yo he participado enviando una foto, a continuación proporciono el link a la dicha foto para que cualquiera de mis lectores pueda verla y me vote para facilitarme la posibilidad de ganar algo.
